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A&R 到音樂製作人的經歷

By:蕭賀碩老師

A&R、創作經驗分享

如果想要成為一位創作型歌手,以創作面來說,需要從文字下手,還是本身唱法也需要再稍微調整出自己的樣子?

蕭賀碩(下文簡稱碩):如果創作者本身有很棒的音色,但歌聲跟某位歌手很像,又想讓自己是有特色的,可以花更多的功夫去聽更多元化的音樂、看不一樣的書和電影,來找出自己的特色。

在許多大型的比賽裡,有很大量的曲目數,當老師擔任評審的時候,會最在意什麼?

碩:每位評審重視的都會不一樣。以自己來說,最重視的是「原創性」,因為原生的東西會非常難找,如果聽到參賽者身上有原創的元素,我一定會在這部分給予很大的評價!因為不管是音色、技巧、歌曲旋律,都會是在一個標準內評斷,但原生東西的「野」、「生」是不在規範裡的,所以我會最珍惜,就像苗正要長出來,我會希望他可以再長大一些。

老師會建議如何培養出原創性??

碩:主要分成兩個方面:1.深度 2.廣度。在聽音樂時,我們可以試著將深度挖出來,例如:我喜歡靈魂樂,那我會去深入的探究靈魂樂最早是誰開創出來的,並繼續尋找在靈魂樂開創之前是什麼音樂、以及這個音樂是誰開創,就像樹枝圖一樣,去不斷尋找最初的根源,這樣就會慢慢長出自己的深度。

廣度的部分會是跟音樂比較沒有關係的採集,就像我們去採果一樣,把生活上的點滴變成自己創作的詮釋,從生活上的小東西去做聯想,訓練自己的思考邏輯,慢慢地累積就會抓到自己的特有觀察,當特有觀察引起共鳴時,就會是一個 「流行」 開花的時候。

老師自己習慣的創作模式是什麼?

碩:我是一位非常任性的創作者,平常喜歡做採集,當思考有一個脈絡時,會很快的將它寫下。曾經在 2008 年到紐約進修時,想到時代廣場看看,當從地鐵出來,我看到了很多電影會出現的場景,我馬上小小聲的跟自己說 「Welcome to New York 」 ,那個瞬間就蹦出一段詞曲旋律,當下我希望 可以馬上將這段旋律完成,就立馬奔回住宿的地方創作,後來就成為《Stay》這首歌。

以前跟現在的A&R是否有落差?

碩:有!早期在唱片公司時都會寫 SWOT 分析以及長程計畫、短程計畫,並訂下藝人三年內、五年內、十年內的計畫,從 A&R 去發想、尋找商業上的定位。 而現在是一個百花齊放的時代,唱片公司不會再投入好幾千萬的費用去做一張專輯的製作、宣傳、服裝等等,以及非常長遠的規劃。但做三年內的規劃是非常必要的,我自己會利用 5W+1H ,來釐清自己的想法、穩固自己的核心理念,從 Input 採集到的新的經驗、所思索想到 Output 變成自己的作品,這中間的過程,會需要這五個 W 才能輸出。

我的 【 5W + 1H 】 分析法

Who : 思考自己,我是誰?以及來自哪裡?
What : 自己想做什麼?想得到或付出什麼?
Where : 希望自己的音樂去哪裡?(往華語歌、英文歌等等)
When :時機點( ex. 我們在這個時間點一起共創一個合輯關於疫情,這就非常合乎時宜、反映時代,這就是流行的本質)
How : 最後我們怎麼去執行完成

在現代的A&R什麼是需要優先去想的事情?

碩:我認為在任何時代,優先需要去想「核心肌群」,大家都需要誠實的面對自己的創作。希望大家都要很開心地做自己現在正在做的事情,然後要很誠實,創作這件事情才會持久,才不會後悔。

如果想當幕後的創作人,老師會建議多嘗試不同的創作類型還是加強自己擅長的那一部分?

碩:許多我認識的創作人會加強自己擅長的那一部份。現在的創作人很多,應該要將自己的刀鋒磨得更亮一點,比較容易被看到。

老師在擔任配唱製作人的時候,會有自己特別的準備方式讓歌曲很快達到自己想要的成果嗎?

主要會看歌手願不願意挑戰,在配唱前我會先試著認識、熟悉歌手,因為唱歌不只是音的技巧、呼吸表現,而主要是「你是誰?」,歌曲會因為歌手而有不同的表現,所以我會根據歌手的狀態去調整。

單一的歌手和樂團,兩種歌曲製作,其中的A&R有差異嗎?

碩:有!樂團本身是一個小社會,歌曲可能3 ~ 6 個人之間的決議,比如說我在跟樂團合作的時候,我會特別注重樂團裡詞曲作者的意見,尤其在編曲的過程中我會讓樂團自己去發展,因為每個樂團都會需要時間去尋找自己的 band sound ,樂團是一個團體,所以需要發展出一個集體的意志,樂團才會自己有的樣子,如果我介入的話,可能會延緩 band sound的成形。

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