早期古典作曲家如貝多芬、莫札特，本身就是編曲人，雖然只會彈鋼琴，但他們知道每一項樂器的特色頻率及音域在哪裡，譬如說小提琴有高音、中音及一點點低音，但是如果他一直在拉低音，高音部分的特色頻率就出不來，聲音就不會好聽，因此要怎麼運用各個樂器的頻率並將其寫在譜上，並且在給演奏家演奏出來是好聽的很重要，可以說早期的作曲家就是編曲家。只是現在有了 MIDI ，需要具備樂理知識，樂理就是建構一切音樂基礎之一。

通常主伴奏樂器分為鋼琴和吉他，主要樂器負責整首歌的流動性，是歌曲的主要伴奏架構，而今天主要的重點就是弦樂，弦樂四重奏分為小提琴 1 、小提琴 2 、中提琴及大提琴。弦樂的功能性和人聲是有相近的，因此當要凸顯弦樂時應該將人聲及弦樂錯開，第一步要先看第一支弦樂和人聲的關係，第二步則是看第一支弦樂和第二支弦樂的關係，當第一支弦樂在人聲的空檔做旋律時，有人會將第一支的旋律線複製到第二支旋律上，這樣的確可以增加這個旋律線的厚度，但在是想增加聽覺的豐富度的話，這樣就會有問題，那要如何解決這個問題，這時可以做一個相反的旋律線，就如鯉魚在水中游的景象一樣，一會交錯，一會重疊。

而人聲的旋律具有方向性，所以當在設計弦樂時，就要特別注意，但是如果將弦樂的定位定在如 pad 一樣的襯底功能來襯托氣氛，便不用考慮這個點。還有一個要注意的點是弦樂的方向性不要太過重複，像是在每個空檔都是從低走到高，如果方向一直往同樣的地方走，因為聽覺感很好預測，聽眾容易就聽膩了 。當主歌分成兩段時，若第一段已經有一個弦樂 Solo ，可以加入弦樂團，弦樂團的標準配置為小提琴 1 、小提琴 2 、中提琴、大提琴及低音大提琴，但是在流行音樂的編曲中，通常不會用到低音大提琴，大部分的流行歌曲都會有屬於自己的電貝斯，因此如果再加上低音大提琴就會有功能重複及頻率重疊的問題，除非將低音大提琴的頻率拉高，將功能性錯開，就可以使用。另一種方式，是將每一個分部把數不一樣，如弦樂四重奏中業界有一個術語叫做 1-1-1-1 。

剛剛講到的是人聲與弦樂時間點之間的關係，像是人聲的節奏比較快時，弦樂的編排可以相對的慢，這是一個互補的概念，才能讓兩個功能性相近的樂器跳脫出來。樂曲是樂段和樂段組成，樂段又是由樂句和樂句組成，樂句的組成則是由幾顆音作為動機組合而成，所以樂段之間，樂器需要做一些過門，因此在利用弦樂做過門時，可以利用快速音群從低往高，而在樂曲要結束前，弦樂就要從高潮的地方有方向性的慢慢退回平淡的地方，利用漸弱慢慢淡出。所以在當弦樂不是以 pad 的形式來呈現時，就要注意弦樂旋律的方向性，在亞州的歌曲中，弦樂的比重是蠻大的其實是很吃重，所以要自己多多去鑽研，增加自己的經驗。